Resenha Cinema: Duro de Matar - Um Bom Dia Para Morrer

Duro de Matar, o filme original de John McTiernan que em 1988 criou um novo sub-gênero aos filmes sobre exércitos de um homem só e lançou Bruce Willis ao estrelato é tudo o que um filme de ação devia ser. Era bem humorado, divertido, tinha momentos de tensão adrenalística, ótimos tiroteios e sequências de ação, explosões, um vilão convincente e um protagonista com quem era impossível não simpatizar já que era o único herói de ação do cinema que se machucava.
John McLane é o herói do que, pra mim, é o melhor e mais completo filme de ação já lançado.
McLane fez tão bonito, que dois anos depois lá estava Bruce Willis novamente na pele toda arrebentada do herói em Duro de Matar 2, um filme muito irregular conduzido meio sem jeito por Renny Harlin, mas que , meio aos trancos e barrancos, dava o seu recado.
Só em 1995 McLane voltou ao cinema. Novamente sob direção de McTiernan, Duro de Matar - A Vingança mudava a ideia da série, que substituía a ação em um único lugar (O Nakatomi Plaza do primeiro filme seguido pelo aeroporto de Dulles, em Washington, no segundo) e mostrava McLane obrigado a lidar com uma sádica corrida engendrada por um terrorista vingativo na sua Nova York natal auxiliado por Samuel L. Jackson. Duro de Matar - A Vingança é provavelmente o melhor filme da série à exceção do original. O quarto filme da franquia, Duro de Matar 4.0, dirigido pelo sem espinha Len Wiseman é uma fita de ação que de OK não passa, e acrescenta um sidekick hacker vivido por Justin Long, e a filha de John, Lucy, a bonitinha Mary Elizabeth Winstead, para ajudar o tira a vencer um web terrorista vivido por Timothy Olyphant. Ainda era uma sessão de cinema divertida, mas muito pouco comparado ao que a série já havia sido.
Podia ser a hora de deixar John McLane tentar se ajeitar com Holy Gennaro e se aposentar. Mas é Hollywood, e sua crise criativa, então...
Duro de Matar - Um Bom Dia Para Morrer mostra John McLane em Nova York, recebendo a notícia de que seu filho, Jack, foi preso acusado de homicídio.
John decide viajar para a Rússia a fim de ajudar o rebento com quem (novidade...) tem um péssimo relacionamento, e que não vê (outra novidade...) a algum tempo.
Ao chegar a Moscou, porém, John descobre que Jack (Jay Courtney), na verdade é um operativo da CIA, e que sua missão de impedir a morte de um valioso informante deu terrivelmente errado. Resta aos McLane colocarem suas rixas de lado e se unirem para impedir que um imenso carregamento de urânio enriquecido seja roubado de Chernobyl para municiar terroristas ao redor do mundo.
Há que se dizer que a FOX não poupa esforços e dinheiro para transformar os filmes da série em experiências barulhentas e divertidas. Não há nenhum filme da "pentalogia" que não segure a atenção por um par de horas, nem que seja só na primeira vez que nós assistimos.
O problema foi que, com o passar dos tempos, John McLane perdeu seu grande diferencial, o de ser um sujeito comum com uma presença de espírito e teimosia incomuns, pra se tornar a antítese do herói que refrescou os filmes de "Man x Army" dos anos oitenta.
Se o barato de John McLane era se machucar, cortar os pés, contar balas e agradecer ao Papai Noel por uma eventual metralhadora, isso desapareceu já no quarto filme da série, onde Bruce Willis realmente passou a competir com Stallone e Schwarzenegger dos áureos tempos pra ver quem realiza os prodígios mais inacreditáveis e mata mais gente.
Como sempre, Duro de Matar - Um Bom Dia Para Morrer é um bom filme de macho, com muitos tiroteios, explosões e piadinhas, mas não passa muito disso. Há uma química divertida entre Willis e Courtney, mas os atrativos do filme além da ação acabam por aí. Nem mesmo há um ator de notável talento no papel do vilão, como foram Alan Rickman e Jeremy Irons, todos os bandidos são ilustres desconhecidos com nada além de carrancas e ameaças.
Volte a pensar em aposentadoria, John, ou no próximo filme corremos o risco de ver McLane usando um ônibus espacial roubado para ajudar seu neto astronauta a conter uma invasão alienígena à Terra. Tomara que nenhum executivo de Hollywood leia isso...

"Yippee Kai-yay, filho da puta."

Silencia. Fecha a Porta. E toca o Barco

Certa feita, uma namorada do Raul tinha dito pra ele que "a cerca" dele não era alta, mas ficava muito longe da casa.
Fora uma bem bolada figura de linguagem que a Lisiane, primeira namorada do Raul, arranjou pra explicar o que não estava dando certo naquela relação. O Raul era legal com ela, tanto quanto podia ser um fedelho de dezesseis anos, era polido, afetuoso, mas, no final das contas, mantinha um grande perímetro de segurança, ou seja, era fácil passar pela cerca do Raul, mas o caminho entre a cerca e a casa era tão, mas tão longo, que no caminho, muita coisa podia acontecer.
Como, de fato aconteceu, e a Lisiane, mais velha e mais sabida que o Raul, encheu o saco de lutar por um espaço na vida dele, e foi embora.
Foi interessante porque, dois anos mais tarde, mais ou menos, a Ticiane, a segunda namorada do Raul, disse, sem figuras de linguagem, nem floreios, que não entendia o Raul, e que gostaria que ele dissesse, com todas as letras, sem se preocupar com as consequências, o que ele queria que ela fizesse pra que ele deixasse ela entrar na vida dele "direito".
O Raul não entendeu. A Ticiane tinha total trânsito na vida dele. Ela dormia na casa dele, conhecia os pais dele, foi à praia com ele e a família dele inteira, eles partilhavam amigos, e até frequentavam a mesma escola, e disse, francamente, não entender o que ela queria dizer. A Ticiane deu de ombros, fechou a cara e deixou Raul dois dias pensando que o namoro tinha acabado, o que foi acontecer, de fato, quase oito meses depois.
A Daniele, terceira namorada do Raul, parecia a mais relax de todas. Ele chegou a conhecer o pai e a mãe dela, mas só por acidente um dia em que fora deixá-la em casa. Ela jamais conheceu sua família, ou seus amigos, e parecia não se importar. Na verdade, a Dani parecia tão alheia ao Raul durante o namoro dos dois quanto pareceu quando se mudou pra Argentina sem nem mesmo terminar a relação com ele, deixando bastante claro, ao menos pro Raul, que ela não se importava nem um pouquinho em entrar na vida dele de qualquer forma que fosse.
Foi apenas uns cinco ou seis anos mais tarde, quando a Daniele voltou da Argentina, que ela se encontrou algumas vezes com o Raul, e, numa dessas conversas, confidenciou-lhe, com voz chorosa, que parte do que a havia feito partir, fora o fato de ter percebido que jamais conseguiria um espaço na vida dele.
Ela disse, tentando parecer divertida, que namorar com Raul era como namorar com Ned Stark, o que não fez nenhum sentido pro Raul, que ainda não tinha lido As Crônicas do Gelo e Fogo, e só saberia de quem se tratava tempos depois, quando a série The Game Of Thrones chegou à TV.
Tudo isso, no entanto, serviu pra que o Raul percebesse o quanto eram eficientes seus mecanismos de defesa e isolamento eram funcionais.
A verdade, plena, é que em muitas ocasiões o Raul tentara dar um pouco de abertura às mulheres da sua vida, mas jamais abertura total.
Pro Raul parecia que abertura ampla, geral e irrestrita era demasiado perigosa, dava poder demais às pessoas, e, no seu exíguo histórico de relacionamentos, aprendera que, de modo geral, as pessoas vão magoá-lo quando tiverem a chance.
Funcionara pro Raul por anos a fio, mantivera-o a salvo, mantivera-o inteiro, era um sistema que se tornara parte integrante dele, e que o fizera crescer pra se tornar a pessoa que desejava ser. Longe de ser perfeito, cruzes, não podia estar mais longe disso, mas alguém que podia, na medida do possível se orgulhar de quem era.
Apenas uma vez o Raul resolveu desligar todo o seu sistema de segurança. Uma vez apenas. E, pôxa, só podia valer a pena. Era, afinal de contas, a pessoa que ele sempre sonhara encontrar na sua vida inteira, surgindo, linda, cheirosa e divertida bem na sua frente, e querendo estar com ele.
Se isso não valia um salvo-conduto pleno pra dentro da sua cerca, nada mais nessa vida valeria.
E Raul, que tinha muitos defeitos nessa via, mas achava, francamente que burrice não era um deles, a aceitou de corpo, alma e coração em sua vida, sem medir consequências ou se preocupar com futuros arrependimentos.
Hoje em dia é irônico pro Raul pensar que o poder destrutivo que uma pessoa pode ter na nossa vida, é, no fim das contas, dado por nós mesmos.
Raul ficou mais magoado nessa última vez do que já estivera em qualquer outro momento de sua vida. Ele deixou de ser quem era e se tornou o que restou de si próprio.
Seus amigos lhe dizem que ele é intransigente. E ele concorda. Raul conhece seus defeitos. Sabe que é rápido para julgar as pessoas, e lento para perdoá-las, teimoso como uma mula e que tem dificuldade de admitir quando está errado. E sabe, também, que tem orgulho de, na medida do que lhe é possível, agir com retidão. E que ser injustiçado é algo que lhe causa ojeriza.
E Raul foi julgado, injustamente, pela pessoa cuja opinião lhe era mais cara.
E foi julgado de novo, e de novo.
E sempre considerado culpado.
E depois, lhe teve jogado na cara o fato que era responsável pela tendência dela de julgá-lo culpado. E, novamente, foi julgado.
E novamente de maneira equivocada e injusta.
Raul não anda bem. As palavras "focos malignos", "conforto" e "pouco tempo" o perseguem, lhe tiram o sono e o apetite. Muita coisa anda dando errado na vida dele, mas ainda assim, é esse julgamento injusto que o persegue e lhe fomenta com mais severidade.
E Raul tem vontade de gritar nos ouvidos de sua juíza. Perguntar como ela se atreve a julgá-lo e continuar o julgando depois de ter reduzido seus sonhos a cinzas, de tê-lo feito experimentar a completude e a felicidade e depois tirar tudo isso dele.
Mas aí Raul percebe que estaria apenas dando mais poder a uma pessoa. Mais poder para alguém ferí-lo. Magoá-lo, e transformá-lo no que restou de si.
Então Raul silencia.
Fecha a porta.
E toca o barco.

Resenha Cinema: A Hora Mais Escura

De guerra Kathryn Bigelow entende. A primeira mulher a ganhar a estatueta do Oscar na categoria Melhor Direção com o ótimo Guerra ao Terror voltou à carga da luta Norte-Americana pós 11/09 em um filme sobre a caçada dos EUA a Osama Bin Laden, suposto mentor intelectual dos atentados que destruíram as Torres Gêmeas além dos demais sequestros de aeronaves que resultaram em milhares de mortes em 2001.
Como aconteceu com a Guerra no Iraque e ao sargento James em Guerra ao Terror, novamente Bigelow e o roteirista Mark Boal (Também autor do script do trabalho anterior de Bigelow) centra sua história em uma personagem com uma missão.
Dessa vez, ao invés do desarmador de bombas viciado em adrenalina ansiando por glória de Jeremy Renner, temos uma jovem técnica da CIA, Maya (Jessica Chastain, incrivelmente ruiva e tão bem quanto Renner fora em GAT, talvez melhor), designada para trabalhar no Paquistão junto à unidade responsável por descobrir o paradeiro do líder da Al-Qaeda.
É 2001, poucos meses após os atentados, e Maya se vê, logo de cara, assistindo ao agente Dan (Jason Clarke) começar, de maneira bastante honesta, um interrogatório.
E daí A Hora mais Escura segue, por dez longos anos, com estética semi-documental, a saga de Maya e de sua obstinada luta para descobrir onde está Bin Laden, hora enfrentando o desânimo de uma busca incessante que por vezes parece infrutífera, hora esbarrando na displicência de seus superiores, que a veem apenas como uma tecnocrata brincando de guerra. A tenaz Maya (Girl Power até a medula), no entanto, não se deixa abater por nenhum dos machões, e sem se importar com a sua posição na cadeia de comando, segue investigando nomes, datas, e conexões até encontrar uma pista que a levará à soleira da porta do homem mais procurado do mundo.
Kathryn Bigelow tem ótima mão pra ação. Tem mais colhões do que os irmãos Wachowsky (antes mesmo da castração de Larry), Michael Bay e Tymur Bekmambetov juntos, e sabe o que faz com uma câmera além de ter um senso narrativo talhado pra tensão. E não falta tensão em A Hora Mais Escura mesmo que todos saibam qual vai ser o desfecho da história.
Entre as torturas que inicialmente incomodam Maya (Que depois se habitua à prática, chegando a endossá-la), o árduo trabalho de detetive que liga os pontos até Osama, existe um mar de homens bomba, ataques de terroristas e a sombra do próprio fracasso, constantemente assolando a personagem central, que conforme aumenta seu nível de dedicação à sua missão, vai se vendo isolada de todos, seja por parecer incapaz de abandonar sua busca, seja porque as pessoas que a cercam morrem.
Kathryn Bigelow e seu elenco (Além de Chastain e Clarke ainda tem Mark Strong, Jennifer Ehle, Joel Edgerton, Edgar Ramirez, Kyle Chandler e Reda Kateb) sustentam bem a narrativa, e fecham o filme com uma ótima e violenta sequência da invasão ao esconderijo do terrorista mais perigoso do mundo.
E é aí, no desfecho, que surge outro elo com Guerra ao Terror que vai além da luta dos EUA contra o terrorismo, que é o conflito se transformando em definidor de identidade. Da mesma forma que James não sabia viver com a esposa, o filho e as prateleiras de cereais, Maya parece não saber quem é, uma vez que sua missão foi finalmente cumprida após dez anos de esforços.
Em tempos de guerra moderna, o "Nós" contra "Eles" quando "eles" são bombas parcialmente enterradas em ruas de areia ou nomes e números de telefone em telas de computador é intenso no durante, mas gera uma satisfação fugaz, se alguma, na conclusão.
Ótimo filme.

"-E você é?
-Eu sou "o filho da puta" que encontrou esse lugar."

Resenha Cinema: O Voo

Robert Zemeckis talvez seja o diretor com o debute mais promissor do cinemão de sci-fi. Se ele já tinha dirigido I Wanna Hold Your Hand em 78, Carros Usados em 80 e Tudo por Uma Esmeralda em 84, foi em 1985 que ele gravou seu nome pra sempre na mente de toda uma geração ao lançar De Volta Para O Futuro. Zemeckis não pararia por aí. Ele ainda dirigiria Uma Cilada Para Roger Rabitt, as duas sequências de De Volta Para O Futuro, A Morte Lhe Cai Bem, e Forrest Gump - O Contador de Histórias, que lhe rendeu o Oscar de melhor diretor.
Na sequência dirigiu em 1997 o meia boca Contato, com Jodie Foster e Matthew McConaughey, e, em 2000, lançou Revelação, com Michelle Pfeiffer e Harrison Ford, e Náufrago, novamente em parceria com Tom Hanks.
Náufrago, aliás, foi o último filme em live action do diretor, que, a partir de 2004, com o lançamento de O Expresso Polar, sua terceira contribuição com Hanks, passou a fazer filmes unicamente com a tecnologia de animação por captura de performance que ainda daria vida a A Lenda de Beowulf, de 2007, e Os Fantasmas de Scrooge, de 2009.
Apenas agora em fins de 2012 foi que o cineasta retornou a filmes com cenários e atores de verdade diante das câmeras com este O Voo.
Na fita, conhecemos o comandante William "Whip" Whitaker (Denzel Washington), piloto da SouthJet Airlines.
Durante uma viagem rotineira o avião pilotado por Whip apresenta um defeito grave, e a tragédia é iminente. Entretanto, com perícia e sangue frio, o comandante Whitaker impede que todos os passageiros morram, ao realizar uma audaciosa manobra e virar o avião de ponta-cabeça, livrar uma imensa zona residencial da colisão, e conseguindo tempo para realizar um miraculoso pouso forçado em um campo aberto salvando a grande maioria dos passageiros a bordo, tornando-o um autêntico herói.
No entanto, quando começa a investigação das causas do acidente, os testes de sangue do piloto indicam altos níveis de álcool e cocaína em seu sangue, colocando-o na mira das autoridades, e podendo render-lhe até mesmo prisão perpétua.
O Voo, é mais um filme que se equilibra nos ombros de seu ator principal. Denzel Washington não consegue ser o mutante maníaco que Daniel Day-Lewis é, e não se torna outra pessoa para dar vida a Whip. Mas ele certamente sabe como tornar um personagem todo seu. O piloto, alcoólico, cocainômano auto-destrutivo e egocêntrico é um dos melhores trabalhos da carreira do ator, melhor inclusive do que o policial Alonzo de Dia de Treinamento, que lhe rendeu sua segunda estatueta da Academia.
A persona expansiva de Whip Whitaker empalidece todos os personagens ao seu redor(O restante do elenco, com nomes como Kelly Reilly, Don Cheadle, Bruce Greenwood, John Goodman e participações especiais de James Badge Dale e Melissa Leo está bem, mas sem grandes arroubos ou grande relevância para a trama), e faz isso sem alçá-lo à condição de mocinho, nem nem rebaixá-lo ao papel de vilão de sua própria história.
Zemeckis constrói um conto moral de início espetaculoso e repleto de apuro técnico (Toda a sequência da pane do avião até o pouso é excelente) que vai se tornando mais convencional conforme a trama anda e nós vemos que não importa quem orbite ao redor de Whip, a decisão final do que fazer com sua vida, cabe apenas a ele. Isso não chega exatamente a ser um elogio ao roteiro (indicado ao Oscar, por alguma razão que me foge), que torna mesmo personagens que surgem como contrapontos à condição de Whitaker, como a ex-viciada Nicole (Reilly, tremendamente ruiva) meros acessórios que são descartados asem muita cerimônia após darem seu recado, ainda assim, O Voo é um bom retorno para Zemeckis aos filmes live action, e uma boa lembrança a audiência do ator que Denzel Washington pode ser. Assista se tiver chance.

"Ninguém poderia ter pousado aquele avião como eu fiz."

Resenha Cinema: Lincoln

É engraçado parar pra pensar que no ano passado, dois filmes completamente distintos fossem centrados na mesma personalidade histórica. O quase bobo de tão despretensioso Abraham Lincoln - Caçador de Vampiros, e seu completo oposto, este Lincoln, dirigido por Steven Spielberg que desembarcou aqui no fim de janeiro foi lançado nos EUA entre novembro e dezembro, focando claramente o Oscar 2013.
Perfeitamente compreensível. O longa sério de Spielberg, que vinha sendo cozinhado pelo diretor de E.T. já a alguns anos, e que por muito tempo teve o papel central ligado a Liam Neeson é desses filmes feitos para o Oscar muito mais do que para as bilheterias.
O filme mostra Abraham Lincoln (Daniel Day-Lewis, caso para ser estudado) em janeiro de 1865, já no começo de seu segundo mandado como presidente dos EUA, e no quarto ano da Guerra Civil que os estados confederados do sul dos EUA travam para se separar dos estados da união.
Enquanto vê o conflito caminhar rumo a seu inevitável final, o presidente dos EUA percebe que com a ausência da bancada sulista do congresso, e o temor popular pela continuidade do conflito armado, pode estar diante de uma janela única para banir a escravidão do país de uma vez por todas.
Todavia, a tarefa de obter as assinaturas de membros democratas do congresso, árdua por si só, ganha ares de corrida contra o tempo conforme os estados confederados, antevendo a derrota na guerra e a movimentação dos Republicanos de Lincoln, começam a movimentar comissões de paz para devolver seus representantes ao congresso a tempo de barrar a emenda constitucional que libertará os negros dos EUA.
O décimo-sexto presidente americano precisa, então, decidir-se entre o fim antecipado da guerra, que poupará milhares de vidas, e o fim da escravidão, a mais abjeta mancha na história da humanidade enquanto é pressionado pelo congresso, pelo povo, por sua família e até por membros do seu gabinete.
Há um grande elenco contando a história que Spielberg filma com a costumeira maestria. David Strathairn, como o chefe de gabinete William Seward, Hal Holbroock, no papel do articulador Preston Blair, John Hawkes, James Spader e Tim Blake Nelson como os "caçadores de votos" Latham, Bilbo e Schell, Bruce McGill como Edwin Stanton, além dos indicados ao Oscar Tommy Lee Jones como Taddheus Stevens e Sally Field como Mary Todd Lincoln. Além deles há ainda Jackie Earle Haley, Lee Pace, Jared Harris, Joseph Gordon-Levitt, David Oyelowo, Lukas Haas, Dane DeHaan, Julie White, Gloria Reuben, a maioria em papéis que são pontas ou pouco mais do que isso.
Nomear todo o elenco possível é tarefa necessária para que se saiba que a despeito da bela cinematografia de Janusz Kaminski, da contida música de John Willians, e da sensibilidade de Spielberg ao mostrar uma faceta talvez ignorada da persona política do presidente mais endeusado da história dos Estados Unidos, o show de Lincoln tem dono, e ele se chama Daniel Day Lewis.
O ator britânica que havia dado uma bela escorregada com a equivocada atuação no também equivocado musical Nine, mostra que ainda é um mutante com poderes de atuação que beiram o sobrenatural.
Seu Abraham Lincoln é um homem visivelmente fragilizado pela extensão do conflito que carrega atrás de si e com o peso da decisão que tem por tomar, mas ainda é um advogado e um estrategista político de mão cheia. Quando ele se senta, movimentando-se devagar e com andor, como um homem que está a beira da exaustão, e começa, com sua voz falseteada e fina, a contar uma pequena história que pode ser um conto edificante ou apenas uma anedota análoga atraindo a atenção de qualquer ambiente pra si, Abe não está dando ponto sem nó.
Spielberg inclusive deixa claro como manja de seu negócio, quando mantém a câmera afastada de Lewis, e deixa que o ator domine o cenário com seus gestos, expressão corporal, voz e expressão. É um espetáculo pra ser apreciado a alguma distância, pois há nele a solenidade de um homem que, com mil diabos, acabou com a escravidão, tem um memorial na capital de seu país e suas feições esculpidas no monte Rushmore, mas, ao mesmo tempo, graças a atuação do melhor ator em atividade no cinema, carrega uma qualidade intimista e um carisma tão grande, que é difícil não vibrar perante as pequenas maquinações e desonestidades cometidas pelo honesto Abe em nome de um bem maior.
Ótimo filme, enfeitado documento histórico, e atuação de gala do maior de sua geração. Palmas para todos os envolvidos.

"Você acha que escolhemos o tempo em que nascemos? Ou nos ajustamos ao tempo no qual nascemos?"

Resenha Cinema: O Lado Bom da Vida

Quando O Lado Bom da Vida começa, a audiência descobre, de cara, que Pat Solitano (Bradley Cooper) está em uma instituição para doentes mentais, onde toma seus remédios no horário, participa de sessões de terapia em grupo, e se exercita ao ar livre tanto quanto pode.
Ele parece tão conformado com o lugar quanto alguém pode estar, até que sua mãe, Dolores (Jackie Weaver) surge para tirá-lo da clínica, mesmo contrariando ordens médicas, e levá-lo para casa.
Pat sofre de transtorno bipolar, e, ao descobrir que era traído pela esposa, teve um violento rompante que culminou com sérios ferimentos no amante, o fim de seu casamento, a perda de seu emprego como professor de História no colégio local, uma ordem de prisão, oito meses em uma clínica psiquiátrica e uma medida cautelar que o força a se manter afastado cento e cinquenta metros de seu antigo local de trabalho e de sua ex-esposa, além de garantir-lhe uma atenção bastante especifica da polícia além da reprovação geral de sua vizinhança e nicho social em geral.
Mas, de volta à casa dos pais, ele está pronto para recomeçar, pôr sua vida nos eixos, se manter em forma, e reconquistar Nikki, sua ex-mulher.
O que já não parecia uma missão das mais fáceis, ainda se complica mais quando Pat é apresentado à Tiffany (Jennifer Lawrence), irmã da esposa de seu amigo Ronnie (John Ortiz), que recentemente ficou viúva e se viu, também, na mira de psiquiatras e do julgamento social a que pessoas que sofrem com qualquer condição mental são expostas.
Inicialmente reticentes um para com o outro, Tiffany e Pat acabam decidindo participar de um pequeno projeto pessoal de ajuda mútua enquanto tentam se enquadrar.
David o. Russel, mesmo diretor de O Vencedor, onde já tinha mostrado que é capaz de colocar atores em posição de fazer tudo o que sabem, repete a dose em seu novo filme.
O Lado Bom da Vida se apóia totalmente nos ombros do roteiro e de um elenco que sabe o que fazer com o texto. Bradley Cooper tem a grande atuação de sua carreira até aqui (Se dando melhor que Mark Whalberg, que sumiu entre Amy Adams, Melissa Leo e Christian Bale, em O Vencedor), ele torna Pat e sua doença críveis, e faz isso de maneira leve, sem transformá-lo em um mártir de quem a audiência tem pena, mas em um sujeito por quem todos querem torcer.
Jennifer Lawrence é um capítulo à parte. Além de gostosíssima, exalando sensualidade e agressividade, a atriz que desbancou Meryl Streep no Globo de Ouro tem profundidade e um grande leque de nuances que são tão mesmerizadores quanto suas curvas.
Além dos dois protagonistas, há ainda o sumidão e sempre engraçado Chris Tucker, dos A Hora do Rush, como Danny, o colega de instituição de Pat que empreende sucessivas tentativas frustradas de fuga, e Robert De Niro, como o pai de Pat, Patrizio, um apostador obsessivo compulsivo fanático por futebol americano, em especial pelo seu time do coração, o Philadelphia Eagles, talvez a grande atuação de De Niro nas últimas duas décadas.
Esse elenco em perfeita sintonia sob a batuta de Russel, que escreveu o roteiro baseado no livro de Matthew Quick e sabe tudo de direção de atores, fazem a primeira pequena joia do ano misturando drama, comédia e romance num caldo dos mais saborosos.
Um filme leve, sem arroubos ou grandes pretensões, mas perfeito na simplicidade de sua execução, amparado no talento de uma equipe com competência de sobra pra contar uma bela história. Maneiríssimo.

"-Eu fiquei muito confusa quando Tommy morreu. E transei com todo mundo do meu escritório.
-Uau! Todo mundo?
-É.
-Nós não precisamos falar sobre isso.
-Obrigada.
-Quantos tinha lá?"

Rapidinhas do Capita

Renan Calheiros reeleito presidente do Senado Federal. Não chega a ser uma surpresa o corporativismo corrupto da imensa maioria dos senadores (assim como da imensa maioria dos políticos do Brasil, diga-se de passagem), o que de fato choca é a desfaçatez desses "servidores" para com a opinião pública. Não me refiro nem ao eleitorado, esse é cego, surdo, mudo, entrevado e burro, prova cabal de tal condição é a presença de Calheiros como senador. Ele foi eleito pelo povo de seu estado de origem, Alagoas, mesmo após ter se afastado voluntariamente do mesmo cargo para o qual foi novamente eleito na última sexta-feira. Calheiros renunciou à presidência do Senado durante um escândalo que o colocava na mira de denúncias de peculato, falsidade ideológica e uso de documento falso, além de desvio de verba do Senado.
Após joguetes escusos feitos nas sombras de Brasília, esse elemento que tem, no mínimo, moral duvidosa (é alvo de denúncias no STF) e um caráter questionável (Teve uma filha fora do casamento com uma jornalista), voltou a uma posição de destaque e importância no cenário político do Brasil. O que serve para duas coisas em essência:
Primeira, mostrar o tipo de representantes que esse povo do Brasil gosta de eleger.
Segunda, representar à perfeição os pares que o consagraram seu líder no Senado.

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O Odilei estava deitado no sofá de casa, olhando para a TV na penumbra, sem assistir nada e com um livro deitado sobre o peito. De súbito, sem nenhuma razão aparente, teve um acesso de riso.
Gargalhou tanto e tão alto, que seu cachorro, que estava sonolento e preguiçoso por causa do calor modorrento daquele dia, levantou-se lépido do piso frio da cozinha e correu abanando o rabo para saudar a súbita explosão do que julgava ser alegria.
Odeilei acariciou o cão enquanto limpava as lágrimas que a gargalhada trouxera a seus olhos.
Percebeu, subitamente, que fora testemunha e mártir num ocaso que se igualava à carta da Rachel para Ross, em Friends, onde ela se estendia por dezoito páginas (frente e verso), demandando que Ross concordasse com a plena responsabilidade sobre sua noite de sexo embriagado e de coração partido com a gatinha da casa de cópias após Rachel exigir "um tempo".
Trocando em miúdos? Fora avisado, muito delicadamente, que não era confiável e que a culpa era sua, ora bolas.

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Sonhou com sua avó, naquela noite. Tinha ido ao apartamento dela, para ajudá-la com um vazamento. Ao chegar lá, ela ainda morava no apartamento grande da Fernando Machado, com a cozinha e a área de serviço de azulejos verdes, e estava jovem e vivaz, com os cabelos pintados de louro mate, e planejando fazer uma permanente enquanto andava de um lado para o outro se arrumando com esmero para sair como fazia quando ele era criança.
Na área de serviço, um azulejo fora arrancado da parede sob o vão que fazia as vezes de sótão, e desse buraco nos azulejos, jorrava água de maneira inclemente e contínua. Ela havia colocado uma chaleira diante do jorro d'água para direcioná-lo ao tanque.
Foi lá, desligou o registro, e colocou um novo azulejo para cobrir o buraco. Era branco, e não verde como os demais, mas parou a inexplicável queda d'água, e a avó não se importou com a estética.
Quando entregou-lhe a chaleira, ela perguntou de onde tinha vindo. Ele respondeu que ela tinha colocado ali para desviar a água para o tanque, o que fora bem pensado, já que havia impedido a inundação da área e da cozinha. Ela replicou que não havia colocado nada ali, e ele argumentou que ela devia ter colocado e esquecido.
Quando disse isso, ela se tornou de novo a velhinha enferma e frágil de cabelos brancos que não lembra quem são as pessoas no hospital, e ele a abraçou e deu-lhe um beijo na testa, sentindo vontade de chorar de tristeza e remorso por tê-la feito ficar assim de novo.
Acordou com um gosto amargo na boca. E vontade de ir embora.

Resenha Cinema: O Mestre

Paul Thomas Anderson é um diretor fodão. Boogie Nights, Magnólia, Embriagado de Amor, Sangue Negro... O cara manja do riscado. Até pela qualidade de seus filmes anteriores e pelo longo hiato desde Sangue Negro, de 2007, havia grande expectativa entre cinéfilos com relação ao novo trabalho de PTA, este O Mestre.
Ontem assisti ao filme, e devo dizer que, talvez, em decorrência da expectativa que eu havia criado em torno do longa, me desapontei um pouco.
O Mestre acompanha Freddie Quell (Joaquin phoenix), veterano da Segunda Guerra Mundial que retorna aos EUA após o conflito.
Traumatizado e alquebrado, Freddie vaga pulando de emprego em emprego, incapaz de se fixar carregado de fantasmas pessoais, imprevisível, descontrolado e alcoólatra.
Após ser acusado de matar um homem, Freddie empreende nova fuga, e é então que acaba acidentalmente encontrando-se com Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), líder do culto A Causa, que, ao melhor estilo L. Ron Hubbard com a sua cientologia, usa aspectos de ficção científica como dogma religioso, empregando-os na cura de traumas e até de doenças como leucemia.
Lancaster vê em Freddie um potencial protegido e cobaia, e mesmo sem o apoio de sua esposa Peggy (Amy Adams), traz o homem problemático para sua família e seu culto, na crença de que pode curá-lo de seus males.
Em contrapartida, Freddie abraça A Causa, e especialmente abraça Lancaster, o mestre do título.
Há momentos de genuína tensão a partir do encontro dos dois. As sessões de terapia que Lancaster realiza com Freddie são o ponto alto do filme ao confrontar os dois intérpretes e seus personagens.
Joaquin Phoenix cria uma forma física magra e corcunda, repleta de espasmos, e tiques para Freddie, sempre com a face retorcida como se estivesse manifestando fisicamente o seu estado emocional deformado, mesmo a voz, o sotaque e o riso de Freddie Quell carregam essas características, tornando o personagem o ponto alto da carreira de Phoenix.
O trabalho de Hoffman é também inspirado, embora não seja algo inédito para o ator, que já havia mostrado que sabe como fazer um sujeito superficialmente tranquilo que é dado a rompantes de ira. Ainda assim ele adiciona um carisma genuíno ao personagem, com quem acaba se tornando difícil não simpatizar.
Além dos dois monstros em cena, há ainda Amy Adams, muito bem no papel da esposa de Dodd, e todo o apuro técnico de Paul Thomas Anderson e sua equipe técnica, que deixam claro desde o primeiro quadro do filme, que sabem exatamente o que estão fazendo.
Quando O Mestre termina, a audiência fica na sensação de que faltou algo... E talvez esse vazio ao final do filme, seja exatamente o posicionamento que alguns setores da crítica cobraram de Anderson.
Se for, palmas pra ele.

"-Eu lamento se saí dos eixos na noite passada. Eu estava com frio e-
-Não se desculpe. Você é um salafrário.
-Eh...
-E como cientista e connoisseur, eu não faço ideia do conteúdo dessa notável poção. O que tem aqui?
-Segredos."